UN POCO DE MÚSICA: EL ESPEJISMO DE FLEETWOOD MAC

Mirage fue el tercer disco de estudio que Fleetwood Mac lanzaría con su formación “clásica” de Mick Fleetwood, John McVie, Christine McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks. Lejos de los “archivendidos” Rumours (1977) y Tusk (1979), y del estilo de Fleetwood Mac (conocido como el Disco Blanco, de 1975), este particular trabajo vería la luz en 1982, y resultaría quizás el más criticado de la banda con la formación ya mencionada, y por qué no el menos exitoso de dicha etapa, aunque esto es realmente relativo.

Si bien los primeros (y triunfantes) álbumes en solitario de Buckingham (Law & Order) y Nicks (Bella Donna) estaban aún frescos, 1981 marcaría el planteo de regresar al estudio para grabar con el resto de la banda lo que sería la siguiente obra final. Teniéndose en cuenta algunos demos descartados de los trabajos de Lindsey y Stevie, Mirage sería grabado en Francia, en el estudio Château d'Hérouville, utilizado también por Elton John, Pink Floyd, Iggy Pop y David Bowie entre otros artistas. Extensas jornadas de grabación, y un ambiente no tan distinto al de la época de 1977 o 1979 formarían parte de un proyecto que, sin embargo, no daría los frutos esperados, pues si bien Mirage tendría un relativo éxito en las ventas, hoy en día tan solo Gypsy, gran y hermosa canción de Nicks, es la más recordada. Pero no hay que olvidar que otros singles, en su momento, fueron bastante bien posicionados, y que las canciones gozan de una exquisita calidad que, al parecer, no alcanzó.

Mirage -Espejismo-, como se dijo, comenzó a partir de descartes tanto de los primeros trabajos en solitario de Lindsey Buckingham y de Stevie Nicks, aunque quizás es innnegable también la influencia de Tusk, y los descartes del mismo. Al contar Buckingham con un importante papel en la producción de este último, no tendría obstáculos para ser pilar fundamental una vez más en la realización del nuevo trabajo. Sin embargo, él mismo diría años más tarde que tanto él como el resto del grupo no sabían lo que hacían, o mejor dicho, qué quisieron hacer en Mirage. Es conocido que las drogas fueron una parte inseparable de la historia del esta exitosa banda, pero al parecer en estos años la influencia de las mismas fue importante, y quedó bien plasmada en la tormentosa y conflictiva relación entre Buckingham y Nicks quienes, a pesar de no llevarse bien en la vida cotidiana, parecían coincidir bastante en un estudio de grabación, pues pese a los estilos diferentes podían cmponer juntos, como equipo. La duda sobre el contenido de Mirage también puede deberse a la cuestión del éxito del disco en sí. En algo que parecía ir de mayor a menor, con Rumours a la cabeza y Tusk después, por lo visto Mirage fue otro ambicioso proyecto que sin embargo no dio los frutos que la banda esperaba. Un espejismo de éxito que no se completó del todo.

Finalizada la grabación, se continuó con la grabación de los videos promocionales. Este es un punto más que importante, ya que la aparición de MTV a comienzos de los 80 llevó a innumerables grupos a grabar videos para llegar a dicho canal, y así aumentar sus ventas, y prestigio. Fleetwood Mac no se quedó atrás, y con el video de Gypsy superó todas las expectativas. Además de contar con la particularidad de ser un estreno mundial, fue el video más costoso grabado hasta entonces. A simple vista no parece gran cosa, más teniéndose en cuenta que posteriormente aparecerían trabajos más impresionantes, pero revisemos lo que se ve en Gypsy: vestuarios diversos, extras, bailarines, calles cortadas para la filmación, efecto de lluvia, la escenografía final en el bosque -quizás lo más costoso-, y muchas cosas más. El otro video, de Hold Me, fue mucho más sencillo; grabado en un desierto, muestra a Christine McVie y a Buckingham como los protagonistas, mientras que John McVie y Mick Fleetwood desentierran diversos instrumentos, y una sorprendente Stevie Nicks posa para un cuadro. Una tercera grabación corresponde a Oh Diane, aunque no se trata de un video oficial, sino de una presentación en un show televisivo de entonces.

Regresando al disco en sí, y antes de pasar al contenido, es interesante la carátula del mismo. Si bien no tiene un motivo en especial, pues muestra a las dos damas de la banda rodeando a Lindsey, con John y Mick en la parte de atrás del álbum, es interesante desde el punto de vista artístico. En una importante combinación de sombras y luces, la portada de Mirage emplea una técnica clásica del Barroco, que justamente se caracterizó en la pintura por el contraste entre luz y sombra. Otro rasgo notable es la posición de los personajes, con Christine y Lindsey contemplándose entre sí, y Stevie abrazando a Buckingham e inclinándose hacia atrás. La obra Judith y Holofernes, de Caravaggio, se asemeja en gran parte a esta representación.

Judith y Holofenes, de Caravaggio. Existe cierta similitud entre esta obra y la carátula de Mirage. El interés de la banda por el arte es innegable.

Christine McVie realiza una muy prolija labor que se vería plasmada en Love in Store y Hold Me (sus más destacadas), Only over you y la pieza final, Wish you were here, éstas últimas bastante similares a Over & Over, incluída en su momento en Tusk. La voz inconfundible y armoniosa de Christine, acompañada siempre por un piano u otros teclados, le dan al álbum el toque fino y delicado.

Stevie Nicks sería la más perjudicada en cuanto a la cantidad de canciones incluídas, cosa que se repetiría en Tango in the Night, aunque en este último caso por otras razones totalmente distintas. Además de la melancólica pero por momentos alegre Gypsy, las otras canciones de la Bella Donna serían That’s Alright (de la época anterior a Fleetwood Mac) y la gran Straight Back. Respecto a la última, si bien existe una pequeña similitud con Sisters of the Moon, también de Tusk, es incluso más potente que ésta, posee más energía, y la capacidad vocal de Nicks se demuestra al máximo. Las armonías de Christine, y la batería de Mick Fleetwood le dan a la canción un ritmo y sonido increíbles, que sin embargo, no parecen haber superado el paso del tiempo.

Lindsey Buckingham es quien se lleva más aplausos, a pesar de que Gypsy fue, como se dijo antes, la más reconocida. Con un gran desempeño en las guitarras, una vez más se coloca a la cabeza del grupo y escribe la mayor cantidad de canciones. Can’t Go Back y Book of Love van casi de la mano, por sus letras pero también por su sobrevaloración. Eyes of the World, incluída en las giras, suena quizás un poco más, al igual que Oh Diane, la más bailable y a la vez la más breve de todo el álbum. Pero la más criticada, sin dudas, es Empire State. De corta duración, y una letra un tanto confusa, es hasta hoy la peor calificada por críticos, fans, y demás. Si bien Lindsey no falla en lo suyo, la canción parece carecer de ¿creatividad? ¿sonido a Fleetwood Mac? ¿una letra más...coherente? Es difícil de explicar, como verán, pero parece que por canciones así, en su momento Mirage no recibió las mejores críticas.

La gira promocional del disco se extendería hasta 1983, año en el que Stevie aprovecharía para publicar su segundo trabajo solista, The Wild Heart, en cuyo tour interpretaría Gypsy. Lindsey retomaría también sus actividades, y Go Insane vería la luz en 1984, al igual que el primer álbum de Christine, de título homónimo. Posteriormente y como se expresó anteriormente, el propio Buckingham declararía que Mirage era el disco más extraño de Fleetwood Mac, y que realmente no llegó a entender qué quisieron hacer durante aquellas grabaciones en Francia en 1982.

Carátula completa de Mirage, con Mick Fleetwood y John McVie completando.

La contradicción final: ¿Fue este trabajo de Fleetwood Mac el más "flojo" de su período más exitoso? En el artículo correspondiente en inglés de Wikipedia, queda en claro que las ventas de Mirage fueron muy buenas, y si bien fueron menores a las de Tusk y mucho más bajas que las de Rumours, no alcanzaron los récords de sus antecesores. Como se sabe, Billboard parece ser quien tiene la última palabra a la hora de decir qué tan exitoso es un disco/una canción, pero en otros países, en especial europeos, y en Canadá, el recibimiento de esta obra maestra fue más que positivo. La recepción por parte de los fans es aún hoy discutible y muy variada, pues distintas opiniones lo ubican aún por debajo de Tusk e incluso de Tango in the Night, que tuvo un relativo éxito en 1987 y que regresó a la banda a los primeros planos después de cinco años, y con trabajos solistas intermedios. Quizás la falta de una versión remasterizada y extendida del mismo aleja más a los fans, pero por su calidad musical, y el hecho de tratarse de Fleetwood Mac, no debería ser tan sobrevalorado.

Les dejo los videos que se realizaron y por supuesto, alguna que otra canción a mi juicio destacada.

¡Saludos!

Gypsy:

Hold Me:

Grabación del video de Hold Me:

Oh Diane:

Straight Back:

Love In Store:

LIBERTAD, PERO NO LA DE 1789, SINO LA DE 1830

   La anécdota se inicia luego de un par de encuentros en la universidad. La materia, era América I, que comprende el período de 1750 aprox. hasta los primeros años del siglo XX.
Indudablemente, uno de los temas que se toca de forma obligada, es la ya tantas veces mencionada Revolución Francesa de 1789. Entre textos, fotos y charlas del profesor, la imagen inmortalizada por Eugene Delacroix, La Libertad guiando al Pueblo, también hace su aparición en escena. Y una vez más, la pintura es vinculada a aquella revolución de fines del siglo XVIII. Pero en verdad, hay un detalle más que importante, y creo no es nada nuevo lo que voy a decir...
   En efecto, la pintura no pertenece a la Revolución Francesa. Si bien fue realizada luego de la misma, considerándose que el autor podría haberse inspirado en aquellos acontecimientos, lo cierto es que La Libertad que guía a ese pueblo es de 1830, y por otra revolución. Pero sin lugar a dudas, el cuadro de Eugene Delacroix se convertiría en una obra clásica y sumamente importante para la pintura universal.
   La mujer que aparece en el centro de la escena, con el pecho al descubierto, sostiene la bandera tricolor -azul, blanca y roja-, mientras que en la mano izquierda, lleva un fusil con bayoneta calada. Hay un gesto enérgico en la imagen femenina, quien aparece cantando La Marsellesa. Las vestimentas de quienes la rodean, son más acordes a la moda del siglo XIX; los individuos, de hecho, no parecen estar representando a los burgueses de 1789, sino a sectores más humildes. Gracias a esta obra, se iniciaría una tradición entre los franceses, consistente en representar a la República a través de la imagen femenina, y por lo general, siguiéndose a la idea de Delacroix, presonificándola con el gorro frigio, la bandera y la actitud de fortaleza. Las ilustraciones, sin embargo, se verían modificadas con la llegada de la siguiente revolución, en 1848, alejándosela del propósito original, para ser imagen de propaganda exclusivamente política (¡cuando no!).
  

La Libertad guiando al Pueblo, 1830.

   Cuando se habla de la Revolución Francesa, se vienen muchas cosas a la cabeza. Antorchas, gente con pelucas blancas, guillotinas, fuego, cabezas rodando, y la imagen de la Libertad guiando al Pueblo. Y cuando se la menciona en los libros, es la escena de Delacroix la encargada de representarla. Error. Quiero darle a conocer, a aquellos que no lo sabían, que en la realidad, la pintura es de 1830, y no hace referencia alguna a la Revolución Francesa tantas veces mencionada. Simbólicamente si, puede aplicársele relación alguna, pero es erróneo decir que la historia que en la imagen se narra es anterior. Es verdad que en muchos sitios en Internet la cosa esta más que esclarecida, pero es increíble que se siga enseñando mal este detalle.
   La República-mujer, que en adelante se llamará Marianne -nombre dado por los franceses a la nueva creación popular-, no pertenece a 1789. Guía a un pueblo, pero 41 años después. Por ahora, supongo, en los libros, escuelas y universidades se continuará enseñando el mismo asunto.
   ¡Saludos y gracias!


Bibliografía: MURILO DE CARVALHO, José. "República-mujer. Entre María y Marianne". En: La Formación de las Almas. El imaginario de la República en el Brasil. Buenos Aires, Universidad de Quilmes, 1997.

REMBRANDT, EL AUTORRETRATADO

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Un 15 de julio de 1606, hace 406 años ya, nacía Rembrandt Harmenszoon van Rijn, en Leiden, Holanda. Rembrandt, quizás el artista holandés más importante de la historia. Una parte más que notable de su obra es la gran cantidad de autorretratos que realizó, en diferentes etapas de su vida. Y fueron muchos, teniendo en cuenta que vivió apenas 63 años, por lo que las pinturas de sí mismo podrían considerarse parte de su autobiografía, describiéndolo en todas sus etapas.

A diferencia de muchos artistas, tanto de la época como de la historia, su vida fue de más a menos. De familia acomodada, Rembrandt vivió sus primeros años con la tranquilidad de poder desarrollar sus primeras pinceladas con total libertad, y con el respaldo de sus padres. Miembro del grupo de los artistas más prestigiosos de Amsterdam, también formó parte de la burguesía. Se casó joven, y con su prima, también acomodada, mudándose a un barrio judío cuyos habitantes le inspiraron en lo que serían sus futuras obras sobre el Antiguo Testamento.

A partir de aquí, las cosas no serían nada fáciles para Rembrandt. Su esposa murió a los pocos años, y solamente un hijo de los que tuvieron sobrevivió. La pobreza no tardó en llegar, y Rembrandt debió sobrevivir de lo que podía sacar de las pinturas que realizaba. O sea, para la época, no mucho. Tuvo luego una relación con una muchacha bastante más joven que él, Hendrickje Stoffels, pero la unión no le ayudaría mucho a salir adelante. De hecho, no se casaron, pues Rembrandt quería dejarle a su único hijo, Titus, lo poco que tenía. Falleció el 4 de octubre de 1669, a los 63 años. Tanto Hendrickje como Titus, murieron antes que él.

SU OBRA

Se han mencionado anteriormente los autorretratos y las pinturas con el Antiguo Testamento como temática, pero es necesario contextualizar las obras de Rembrandt van Rijn. Y aclarar que no fueron las únicas.

Rembrandt fue uno de los principales representantes del Barroco, uno de los estilos más lujosos del arte, por su monumentalidad y exhuberancia decorativa. Junto a él, se encuentran Peter Paul Rubens, Michelangelo Caravaggio, Diego Velázquez, Anton Van Dyck y Jan Vermeer. En su mayoría, sus cuadros comprenden paisajes, autorretratos, o pinturas de historia, legendas o bíblicas, todas estas últimas forman parte de la pintura narrativa, que como su título lo dice, describe un hecho específico.

Este movimiento se sitúa entre 1600 y 1720, sucediendo al Renacimiento y al Manierismo, y precediendo al Rococó. Integró tanto a la arquitectura como a la escultura y a la pintura para crear una visión de conjunto dramática. Es frontal, es decir, que su arte se aprecia mejor desde un determinado ángulo que desde varios. Es claro en la pintura, en donde con una visión general del cuadro puede apreciarse todo el detalle, sin necesidad de buscar más. Las escenas representadas son suficientes para entender lo que en cada una de ellas sucede.

Quizás por Caravaggio, una de las principales características del Barroco es el juego que el artista hace con la luz y la sombra; las figuras aparecen iluminadas, y claramente puede verse de dónde llega la luz. Generalmente de arriba, como una señal divina. Las sombras, por su parte, también destacan, pues son muy contrastantes con la luz, es decir, hay mucha oscuridad en donde la luz no llega. El color, por otra parte, también es una característica, pues si bien se realizaron cuadros bastante opacos, u oscuros, la fuerte tonalidad prevalece en las escenas representadas.

Rembrandt hace pie en estas técnicas. En pinturas como El Filósofo, o Filemón y Baucis, el juego de luz y sombras se hace presente. Los colores, se ven en Lección de Anatomía, y en Reunión de noche, por nombrar los más simbolicos.
En esta época de la historia, la Iglesia aún "pisaba fuerte", y ya desde el Renacimiento varias obras tenían la temática cristiana. Las representaciones bíblicas durante el Barroco fueron numerosas, aunque la arquitectura también se vio influenciada, y como prueba de ello son las iglesias construídas. En el caso de Rembrandt, el hecho de vivir en un barrio judío le sirvió para continuar con los motivos "de moda" del arte pictórico. Dos de los ejemplos más importantes son Betsabé y El regreso del Hijo Pródigo.
¿Por qué el autorretratado? Como se citó anteriormente, fueron numerosos, y puede apreciarse que el pintor holandés los inició a temprana edad. Rembrandt los utilizó para describir las etapas de su vida. Incluso existen grabados imperfectos que no dejan de ser geniales, por la claridad del rostros representados. Las expresiones faciales en muchos indican estados de ánimo del pintor,  mostrando mayor tranquilidad hacia sus últimos años, paradójicamente los menos afortunados, por las pocas chances de progresar, y por hechos negativos como la muerte de su amante Hendrickje y de su hijo Titus.

Les adjunto algunas obras de Rembrandt, autorretratos y demás, aprovechando este espacio dedicado al gran pintor holandés.

¡Saludos y gracias!

La Ronda de Noche, 1642.

La Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp, 1632.

Aristóteles contemplando el busto de Homero, 1653. Esta pintura se vendió en 1961 por unas 860 mil libras esterlinas, siendo la compra más cara de entonces. Nótese que a los personajes griegos se los representaba con vestimentas del siglo XVII.

El Filósofo, 1632.

Autorretrato, 1634.

Último autorretrato, 1669.

Fuentes: ENCICLOPEDIA DE LAS RESPUESTAS, The Book of Answers, Tomo 7, Artes I, Chile, Editorial Lord Cochrane, 1992. 
                Wikipedia. 
                Archivo personal.

LA PINTURA DEL DÍA: CHOP SUEY (1929)

Chop Suey, 1929.

   Quiero empezar esta sección de pinturas con una de mis favoritas. Como amante de la década del '20, esta joya no podía faltar.
   La obra se llama Chop Suey, y fue pintada por Edward Hopper (1882 - 1967), pintor estadounidense, cuya técnica principal fue la de pintura al óleo sobre lienzo (oil in canvas, en inglés), usada claro en esta maravilla también. Los motivos de los trabajos de Hopper incluyen, por lo general, a la soledad del individuo, al alejamiento del mundo externo.
   Lo que Chop Suey nos presenta es una escena común en un donde dos señoritas se reúnen a comer en un restaurante, llamado "Chop Suey". Están enfrentadas, pero no se están mirando, y se supone ambas están pensando algo por su cuenta. Detrás, aparece una mujer mirando a un hombre, quien centra su mirada en sus propias manos.
   Lo que más me llamó desde el comienzo, desde que conocí esta obra, fue la muchacha del centro. Y a quién no; no solo su mirada, sino también la luminosidad que cae sobre su rostro. El autor utiliza muy bien la técnica de luz, y el pálido rostro de la muchacha se combina con los ojos negros y los labios rojos. Gusta ver también la moda de la época, con los sombreros femeninos tan característicos de los años '20 y '30, las prendas ajustadas y los largos abrigos, como el que figura detrás de las muchachas sentadas.
   Una de las obras más conocidas de Edward Hopper, y una de mis favoritas, en este espacio.
   ¡Saludos y gracias!

   ¡Les dejo un buen Puzzle de Chop Suey para que armen esta hermosa obra!